Kristian Schuller (*1970, Rumänien), einer der bekanntesten zeitgenössischen Modefotografen und Unterhalter – wie er sich selbst gerne bezeichnet – wuchs inspiriert von Kunst und Kultur im Umfeld der Bühne auf, war doch sein Vater Dramaturg und Regisseur, seine Mutter Kunstlehrerin. Aufgewachsen im Grau in Grau des kommunistischen Alltags, wollte er sehr rasch diese Tristesse hinter sich lassen.

Nach Deutschland ausgewandert, studierte er Modedesign bei Vivienne Westwood und Fotografie beim legendären deutschen Modefotografen und Kunstsammler F.C. Gundlach. Das Spiel aus Licht und Farbe wurde eine wesentliche Komponente seiner unverkennbaren Handschrift. Sehr bald arbeitete er für bekannte Modemagazine wie Vogue, Harper’s Bazaar oder die Elle. Als scharfzüngiger Fotograf bei Heidi Klums Castingshow „Germany’s Next Topmodel“ avancierte er selbst zum Star.

Gemeinsam mit seiner Frau und Creative-Partnerin Peggy Schuller entstehen bildgewaltige Kompositionen, träumerische Szenerien: eine faszinierende Synthese aus Mode und Kunst. Peggys Kostüme und ihr Input sind wesentlicher Bestandteil seiner Kreationen. Schullers künstlerische Entwicklung ist rasant. Das Reale & Perfekte verschmilzt zunehmend mit malerischen Elementen, surreale und geheimnisvolle Bilderwelten entstehen.

Die Ausstellung • Ein Feuerwerk der Farben und Phantasie auf 2.200 m²!

2021 zeigten wir in Zusammenarbeit mit der Messe Congress Graz die großartigen Arbeiten von Steve McCurry, eine der erfolgreichsten Fotoausstellungen, die in Graz je zu sehen war! 

Im heurigen Sommer folgt ein weiteres Highlight in Kooperation mit der MCG: Schullers Farbwelten werden großformatig, schwebend und hinterleuchtet in den Formaten 2 x 3m und 3 x 4,5m gezeigt. Diese Präsentation unterstreicht die Kraft der Fotografien und der magischen Momente!

Die Besucher*innen erwarten opulente und farbgewaltige Bilder bis hin zu reduzierten Arbeiten der letzten 20 Jahre. Jede Aufnahme erzählt eine lebendige und dynamische Geschichte. In seinen feinfühligen und intensiven Aufnahmen von Sharon Stone, Cate Blanchett, Heidi Klum, Penélope Cruz u.a. ist seine unverkennbare Bildsprache unschwer zu erkennen.  

Barrierefreiheit
Die Ausstellung ist barrierefrei zugänglich, ein Rollstuhl steht vor Ort zur Verfügung.

Klimatisierter Ausstellungsort
Messe Congress Graz • Halle A2 • Eingang Fröhlichgasse

Anfahrt
Straßenbahnlinie 4 • Haltestelle: Stadthalle
Fußweg 200 m, Fröhlichgasse • Richtung O
Parken: Tiefgarage Messe • Einfahrt Fröhlichgasse

Presse
Akkreditierung für Medienvertreter*innen vorab unter: mail@atelierjungwirth.com
Für eine Akkreditierung benötigen wir eine Kopie Ihres Presseausweises und den Namen der Publikation.

Tiere
Tiere sind in der MCG leider nicht zugelassen. Ausnahme: Assistenzhunde

Wir helfen gerne:
Wir sind unter der Nummer +43.664.2666738 oder mail@atelierjungwirth.com erreichbar.

Ermöglicht durch unseren Presenting Partner

7. Juli – 24. September 2023

Semperdepot • Lehárgasse 8 • 1060 Wien Google Maps

So bis Mi • 10⁰⁰ – 20⁰⁰
Do bis Sa • 10⁰⁰ – 21⁰⁰

Kartenverkauf an der Tageskassa vor Ort und unter www.oeticket.com !

Semperdepot, Wien

Sommer 2021: Das Lebenswerk von Steve McCurry ist so außergewöhnlich, dass wir für ihn eine neuartige Präsentation seiner Bilder erfunden haben. Dabei sind großformatige und hinterleuchtete Bilder zwischen 2 x 3 m und 4 x 6 m zu sehen! Die Ausstellung Steve McCurry wurde erstmalig im Sommer 2021 in Graz gezeigt.

Der Erfolg der Ausstellung, vor allem aber Steves Kommentar „Probably the best show in my life!“ und sein Wunsch sie erneut zu präsentieren, haben uns beflügelt sie zu toppen!

Juli – September 2023: Im Semperdepot, dem ehemaligen Hoftheater-Kulissendepot, schweben 100 dieser Ikonen der Fotografie in überdimensionaler Größe auf mehreren Ebenen und die Betrachter*innen werden in einem Kaleidoskop der Farben auf eine verdichtete Weltreise mitgenommen. Die Bilder von Steve McCurry und diese außergewöhnliche Präsentation fesselt die Besucher*innen!

Alle ausgestellten Bilder können in signierten Editionen erworben werden!

verlost unter allen Besucher*innen eine Leica SL2 + Leica Vario-Elmarit-SL 1:2.8/24-70 ASPH“, mit der Steve McCurry fotografiert (Listenpreis: 8.800,-).

Steve McCurry

Es gibt großartige Naturfotograf*innen und es gibt Spezialist*innen für Porträts oder Menschen. Und dann gibt es Steve McCurry. Seine Bilder wurden durch Magazine und Publikationen in Büchern zu Ikonen der Gegenwart. Inmitten einer traumhaft schönen – manchmal aber auch albtraumhaft schrecklichen – Kulisse werden Männer, Frauen und Kinder in den Mittelpunkt gestellt, deren Blick uns nicht mehr los lässt. McCurry legt Wert darauf, nichts zu inszenieren. Vielmehr kondensiert er seine Eindrücke, die Farben, die Landschaft, aber auch das Schicksal der Porträtierten in einem Bild.

Der 1950 in Pennsylvania geborene Fotograf ist gelernter Filmemacher und Theaterwissenschafter. Diese Ausbildung wird komplettiert durch ein großes Talent für den entscheidenden Moment, in dem man den Auslöser betätigt. Geduld spielt dabei eine entscheidende Rolle; gelernt hat Steve McCurry das bei seinen ersten Freelance- Projekten in Indien.

Um in die Top-Liga von Reportagefotograf*innen vorzudringen, braucht es allerdings auch eine gehörige Portion Abenteuerlust und Wagemut. Als Einheimischer verkleidet überquerte er einst die Grenze von Pakistan nach Afghanistan, kurz bevor die russischen Soldaten einmarschierten. Seine Bilder dieses Konflikts wurden weltbekannt. Ob beim Krieg zwischen Iran und Irak oder an den Brennpunkten in Beirut und Kambodscha, der Amerikaner war mit seiner Kamera stets vor Ort. Er wurde „Magazine Photographer of the Year“ und gewann gleich vier erste Preise beim World Press Photo Contest. McCurrys berühmtestes Bild ist „Afghan Girl“, aufgenommen in einem Flüchtlingslager in Pakistan. Das Porträt von Sharbat Gula war 1985 auf dem Cover des National Geographic zu sehen und wurde seither unter anderem von Amnesty International vielfach verwendet. Es ist das weltweit am öftesten publizierte Foto einer Privatperson. Seit 1986 ist McCurry Magnum-Fotograf, was für ihn auch bedeutet, auf die Authentizität der Bilder und die Würde der Menschen zu achten.

Barrierefreiheit • Einschränkungen

Im Semperdepot ist die Säulenhalle, in der die Mehrzahl aller gezeigten Bilder zu sehen sind, barrierefrei zugänglich. Der ebenerdig gelegenen Raum des Prospekthofes ebenso. Die beiden oberen Ebenen sind nur  über Stiegen erreichbar, Lift steht leider keiner zur Verfügung. Aufgrund der baulichen Gegebenheit dieses historischen Gebäudes sind  somit nicht alle Bilder im Prospekthof aus der Perspektive der barrierefreien, untersten Ebene für Rollstuhlfahrer*innen und gehbehinderte Personen zu sehen. Ein barrierefreies WC ist mit Eurokey zugänglich.

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Ausstellungsort

Semperdepot • Atelierhaus der Akademie der bildenden Künste • Lehárgasse 8 • 1060 Wien

Anfahrt
U1 • Station Karlsplatz • 700 m Fußweg
U2 • Station Museumsquartier • 500m Fußweg
U4 • Station Karlsplatz • 700 m Fußweg
U3 • Neubaugasse • 750 m Fußweg
Parken: Tiefgarage WIPARK, Lehárgasse 4, 1060 Wien

Presse

Akkreditierung für Journalist*innen vorab unter: mail@atelierjungwirth.com

Tiere

Tiere sind im Semperdepot leider nicht zugelassen. Ausnahme: Assistenzhunde

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Der Künstler

Es gibt großartige Naturfotografen und es gibt Spezialisten für Porträts von Menschen. Und dann gibt es Steve McCurry. Er ist seit mehr als 40 Jahren einer der bekanntesten zeitgenössischen Fotografen. Er wurde in einem Vorort von Philadelphia, in Pennsylvania geboren und studierte Film an der Pennsylvania State University, bevor er für eine lokale Zeitung zu arbeiten begann. Nach einigen freiberuflichen Jahren unternahm McCurry seine erste von vielen Reisen nach Indien. Mit kaum mehr als einer Tasche mit Kleidung und einer anderen mit Filmen bereiste er den Subkontinent und erkundete das Land mit seiner Kamera. Nach mehreren Monaten überquerte er die Grenze nach Pakistan. Dort traf er auf Flüchtlinge aus Afghanistan, die ihn über die Grenze in ihr Land schmuggelten, gerade als die russische Invasion das Land für alle westlichen Journalisten sperrte. Er tauchte in einheimischer Kleidung, mit Vollbart und wettergegerbten Gesichtszügen wieder auf, nachdem er wochenlang bei den Mudschaheddin untergebracht war. So brachte McCurry der Welt die ersten Bilder vom Konflikt in Afghanistan und gab dem Thema auf jedem Titel ein menschliches Gesicht.

Seitdem hat McCurry auf allen sieben Kontinenten und in unzähligen Ländern atemberaubende Bilder hervorgebracht. Seine Arbeit umspannt Konflikte, verschwindende Kulturen, alte Traditionen und zeitgenössische Kultur gleichermaßen – und bewahrt doch immer das menschliche Element, das sein berühmtes Bild des afghanischen Mädchens zu einem so kraftvollen Bild machte.

Wie Steve zu sagen pflegt: „Ich interessiere mich für Menschen, dafür, wie verschieden sie sind, aber auch, wie gleich sie sind. Wir kleiden uns unterschiedlich, sprechen verschiedene Sprachen und haben vielleicht eine andere Religion. Im Grunde sind wir eine Menschheit, eine Einheit. Dieser Unterschied fasziniert mich wirklich.“

McCurry sucht den unbeobachteten Moment und versucht sich in diese Person hineinzuversetzen, oder im weiteren Sinn, ihr Leben mit der menschlichen Erfahrung als Ganzes in Beziehung zu bringen. Er verdichtet seine Eindrücke, die Farben, die Landschaft und auch das Schicksal dieser Porträtierten in einem Bild.

McCurry wurde mit einigen der renommiertesten Preise der Branche ausgezeichnet. Der französische Kulturminister hat McCurry zum Ritter des Ordens der Künste und der Literatur ernannt und erst kürzlich verlieh die Royal Photographic Society in London McCurry die Centenary Medal für sein Lebenswerk.

Die Ausstellung

In Zusammenarbeit mit Messe Congress Graz, die in der Vergangenheit bereits auf erfolgreiche Durchführungen verschiedenster Ausstellungen zurückblicken können, platzieren wir in diesem Jahr einen besonderen Höhepunkt im Veranstaltungskalender der Stadt. Die Ausstellung „colors“ wird ein eindrucksvolles Kulturhighlight für Jung & Alt. Nicht nur die Bilder von McCurry werden die Besucher fesseln, auch die Präsentation der Bilder spielt eine zusätzliche Rolle.

Insgesamt stehen für die Ausstellung 2.200 m² zur Verfügung. Die Bildformate sind zwischen 2 x 3 m und 4 x 6 m, alleine die Bildflächen aller 126 Arbeiten betragen insgesamt 1.100 m² und jedes einzelne dieser farbintensiven Bilder ist hinterleuchtet!

Durch die Hallengröße sind die notwendigen Abstände gegeben, ein Leitsystem und ein Covid-19 Präventionskonzept sorgen für einen idealen Raum realer Begegnungen in einem spannenden und sicheren Ambiente.

Wir helfen Ihnen gerne bei allen Fragen weiter!
Rufen Sie uns unter der Nummer +43.664.2666738 an oder schreiben Sie uns eine E-Mail: mail@atelierjungwirth.com

Mit dem Projekt Tribute to Egon Schiele startete Haslinger bereits vor zehn Jahren. Schieles Arbeiten faszinierten ihn schon als Kunststudent, die „Intensität des Ausdrucks“ fesselte den jungen Fotografen auf mehreren Ebenen. Auf riesigen Leinwänden begann sich Haslinger dem Thema Schiele zu nähern, immer in der Absicht einer Hommage, niemals mit der Intention, zu kopieren.

Sukzessive lud Haslinger sorgfältig ausgewählte Freunde, Bekannte und Modelle in sein Studio und fotografierte sie in teils zeitgenössischer Kleidung, mitunter in Vintage-Stücken, aber auch in genuiner Kleidung der Jahrhundertwende. Unzählige Tage verbrachte er mit der Recherche nach passenden Stücken in Theatern, Kostümverleihfirmen und Filmausstattungshäusern. Die Bandbreite an Kleidungsstilen und Accessoires in seinen Bildern ist stets beabsichtigt, auch Tattoos sollten sichtbar bleiben.

In Schieles Arbeiten spielt herkömmlicher Raum keine Rolle. Er reduzierte seine Modelle zumeist auf ein abstraktes Umfeld, um sich auf deren emotionalen Ausdruck zu konzentrieren. Haslinger erkannte in dieser „Raumlosigkeit“ von Schieles Arbeiten eine Einladung, diese Räume in sich selbst zu suchen, mit „Verstand, Herz, Seele, Bauch und Lenden“. Tribute to Egon Schiele kann man sich somit als eine Reise in die Innenräume des Menschlichen und Menschseins vorstellen. Räume, die dicht gefüllt sind mit einer Palette an Gefühlszuständen und Wahrnehmungen, denen es für Haslinger fotografisch nachzuspüren und sie zum Ausdruck zu bringen gilt. Intro- und Extrovertiertheit, Zwänge und Ängste, Depression und Leere, Entrückt- und Ausgesetztheit interferieren mit Allüren und Extravaganzen, mit Erotik und Provokation, in einem künstlerischen Universum, das bis heute fasziniert und sich noch immer auszudehnen scheint.

Die Freude des Fotografen am Ausdruck dieser Emotionen und an der dichten und intensiven Arbeit mit seinen Modellen spricht aus jedem einzelnen Bild der Serie. Daneben macht die immense handwerkliche und künstlerische Qualität staunen. Die großteils äußerst aufwändigen Fotos erscheinen auf den ersten Blick nicht selten wie Gemälde oder Zeichnungen, um erst danach ihren fotografischen Ursprung preiszugeben. Es ist, als erschlösse erst Haslingers Hommage vollständig die (foto-)realistische Ebene Schieles – und umgekehrt erst dessen Expressivität jene von Haslingers Arbeiten. Es ist, als hätten sie aufeinander gewartet.
Wolfgang Kindermann

Weitere Infos unter: www.joachimhaslinger.com

6. Mai bis 26. Juni 2020

Das Atelier Jungwirth feiert das 10. Jubiläum der Grazer Photogalerie mit großen Namen der Photographie.
Und einem ganz persönlichen Blick darauf.

Zehn. Seit exakt zehn Jahren ist das Atelier Jungwirth Schauraum für Photographie. Für Namen wie Paolo Roversi, Véronique Vial, Bruno Bisang oder auch Greg Gorman, die ganz besondere Momente und Menschen mit ihren Kameras eingefangen haben. Und all jene, die sich auf diese besonderen Blicke auf das Leben einlassen und als Betrachter durch die Ausstellungen streifen. Dieser Ort der photographischen Begegnung wird nun geballt mit den persönlichen Highlights der Kuratoren aus dem vergangenen Jahrzehnt befüllt. Das haben wir uns von Beginn an zur Aufgabe gemacht. International renommierte Fotografen erstmals dem Grazer Publikum zu zeigen oder jungen, aufstrebenden Künstlern dem interessierten Publikum vorzustellen. Wobei, streng genommen ist es gar nicht so neu, was das Atelier dem Publikum ab 11. März zeigt.

 „Von allen Künstlern haben wir zumindest ein Bild erworben. Immer jenes, das uns am meisten berührt hat. Und genau diese Fotografien werden jetzt zu einem Streifzug durch den Esprit unseres Hauses und unserer Geschichte. Wir zeigen unseren ganz persönlichen Blickwinkel auf die vergangene Dekade.“

Der französische Künstler Jean Michel Fauquet, Vincent Peters und sein intimes Porträt einer Hollywood-Ikone, die fantastische Modewelt von Kristian Schuller oder die prägnante Bildsprache von Paolo Roversi, mit dem alles begann. Sie alle erblicken noch einmal das vertraute Licht des Ateliers. Erlauben ein Wiedersehen in allerbester Gesellschaft. Ein Déjà-vu.

Clemens Ascher, Billy & Hells, Bruno Bisang, Szymon Brodziak, Gabriele Croppi, Jean-Michel Fauquet, Giorgia Fiorio, Christophe Gilbert, Greg Gorman, Joachim Haslinger, Christian Jungwirth, Marc Lagrange, Erich Lessing, Peter Mathis, Arnold Odermatt, Matthias Olmeta, Vincent Peters, Paolo Roversi, Gregor Sailer, Rainer W. Schlegelmilch, Kristian Schuller, Vee Speers, Horst Stasny, Oliviero Toscani, Nick Veasey, Véronique Vial, Nikolaus Walter, Donata Wenders

Der gebürtige Mailänder begann schon als Kind zu fotografieren. Er studierte in Zürich und lernte in New York Andy Warhol kennen, dessen Arbeiten ihn stark prägten. Er selbst schrieb mit seinen Kampagnen für Benetton Werbe- und Kulturgeschichte. Themen wie HIV, Krieg, Tod, gleichgeschlechtliche Liebe, Religion oder auch Magersucht – Toscani ersparte seinen KundInnen und den RezipientInnen kaum ein Tabu. Seine Arbeiten lösten weltweit hitzige Debatten aus.

Neben der Arbeit für Benetton schuf er Kampagnen für Esprit, Chanel oder Fiorucci. Er arbeitete für Elle, Vogue, GQ, Harper’s Bazaar, Esquire, Stern und Liberation. Er gründete das Magazin „Colors“. Er war maßgeblich an der Gründung der Kreativschmiede „Fabrica“ von Benetton beteiligt. Und er veröffentlichte mit dem Buch „Die Werbung ist ein lächelndes Aas“ eine Abrechnung mit der Branche und zugleich einen Bestseller.

Seit 2007 reist er für sein Projekt RAZZA UMANA um die Welt. Ziel ist es, die Vielfalt der Menschen mit Fotografien und Videos einzufangen. Die Bilder aus Japan, Guatemala, Italien oder Namibia sind eindrucksvolle Porträts, die uns nachdenken lassen über die menschliche Natur, den Charakter, aber auch den Einfluss von gesellschaftlichen Phänomenen wie Erziehung oder Mode.

17.10.2019 / Talk mit Oliviero Toscani
Congress Graz

Seine Vorträge in englischer Sprache bieten nicht nur authentische Einblicke in das internationale Fashion- und Werbedenken, sondern auch eine offene Analyse kreativer Prozesse. Toscani, der seine Talks stets mit aktuellen Fragestellungen anreichert, rüttelt wie kein zweiter an Tabus und macht damit jungen wie etablierten Kreativen Mut zum Quer- und Andersdenken. Kommunikation ist bei ihm nie Selbstzweck, sondern hat die Aufgabe, gesellschaftliche Phänomene zu spiegeln. Durch seine faszinierende Arbeit und seine Hartnäckigkeit ist es ihm gelungen, auch traditionelle Unternehmen mit gänzlich neuen Methoden zu evolutionieren. Seine Talks sind stets Anziehungspunkt für Menschen aus allen Berufsfeldern der sogenannten Kreativindustrie.

18.10. 2019 / Eröffnung „RAZZA UMANA“
Landhaushof 

19. + 20.10. 2019 / Masterclass • 33 hours
„Is taking pictures enough to be a photographer?“
Atelier Jungwirth

Die zweitägige Masterclass mit dem gebürtigen Mailänder, ebenfalls in englischer Sprache gehalten, vermittelt nicht nur für FotografInnen, sondern für Kreative aller Sparten spannende Einblicke in Toscanis Denken. Im Vordergrund steht nicht die Technik, sondern die Kunst, hinter die Oberfläche der Dinge zu blicken.

Der Tiroler Fotograf Gregor Sailer (geboren 1980 in Schwaz) studierte in Dortmund Kommunikationsdesign und Fotografie. Er ist Träger zahlreicher Auszeichnungen, so hat er etwa den renommierten Joseph Binder Award und den St. Leopold Friedenspreis gewonnen. Mit seiner Ausstellung „The Potemkin Village“ führt er uns in eine Welt aus Kopien, Fälschungen und Kulissen, die mehr versprechen als sie halten. Wir sehen und staunen: Das legendäre „Potemkinsche Dorf“, das auf einen russischen Feldmarschall im 18. Jahrhundert zurückgeführt wird, existiert heute ganz real in vielen Ländern.

Manchmal will man einfach in bester „potemkinscher“ Tradition den Eindruck von Größe, Sauberkeit, Ordnung oder Stärke vermitteln. Andernorts dienen die unbewohnten Bauten und Straßenzüge für militärische Übungen oder als Testgelände für die Autoindustrie. Und dann gibt es das Paradies für Kopien aller Art: China, wo man gleich ganze Dörfer und Städte nachbaut.

Als Betrachter lernt man nicht nur faszinierende Nicht-Orte wie die militärische Übungszone Schnöggersburg oder das Testgelände für Autos in Vårgårda kennen, sondern wird zudem mit einer einzigartigen Ästhetik konfrontiert. Sailer schafft es, durch die weitgehend menschenleeren Szenerien und die sehr reduzierte Farbgebung Ruhe und Intensität herzustellen.

Die Arbeiten des vielfach ausgezeichneten österreichischen Fotografen waren in den vergangenen Jahren unter anderem bei Ausstellungen in Washington DC, Paris, Berlin, Frankfurt, München, Hamburg, Barcelona, Genf, Mailand, Wien, Prag und Budapest zu sehen. Seine Werke sind Teil von Sammlungen wie dem Rupertinum in Salzburg, dem Belvedere und der Albertina in Wien. „The Potemkin Village“ erschien als Buch im Verlag Kehrer.

Weitere Infos unter: www.gregorsailer.com

Kontakt
Sollten Sie Fragen zu Gregor Sailer oder zu unserem Atelier haben, kontaktieren Sie uns bitte hier.

Christian Jungwirth, Fotograf und langjähriger Freund der Familie Edegger, von Bäckermeister Robert Edegger um ein paar Bilder zum Jubiläum gebeten, hatte die Idee seine Freunde in die Backstube zu entführen und ihnen bei einer scheinbar einfachen Tätigkeit auf die Finger zu schauen.

Backstage in der Backstube
Eine Handkaiser war zu backen und zwar so wie sie ein Bäcker wie Robert Edegger macht. Zumindest war das der Plan. Die Ergebnisse waren unterschiedlich und gar nicht mal so gut. Ehrenvoll war es allemal, weil sich zu dieser illustren Runde namhafte Persönlichkeiten gesellten und den Spaß zum 450-jährigen Jubiläum der Bäckerei einfach mitgemacht haben. Allesamt grazverliebte, traditionsbewusste Hofgassenspazierer und in der Hofbäckerei ein Kipferl oder Ähnliches Kaufende. Ab jetzt Hobbybäcker…

Models sind:
Wolfram Berger (Schauspieler), Reinhard P. Gruber (Schriftsteller), Anja Platzer (Model), Anne-Marie Schullin (Bühnengestalterin), Markus Schirmer (Pianist), Johannes Silberschneider (Schauspieler) und Aglaia Szyszkowitz (Schauspielerin).

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Ihre Leidenschaft gilt der schwarz-weiß Photographie, die in ihrer Reduktion Donata Wenders‘ konzentrierten Bildkompositionen zuspielt. Schärfe und Unschärfe, Schatten und Stoffe, Strukturen und natürliche Elemente sind es, durch die wir die schwarz-weißen Portraits von Donata Wenders erleben. Viele ihrer Bilder übersetzen vor allem eine innere Geschichte und bewegte Gesten in eine sichtbare Welt. Das Licht, das in ihren Photographien die Dunkelheit durchbricht, ist zu einem wesentlichen Protagonisten geworden.

Die Zeit, die sie nicht ganz anhalten möchte, sondern die Teil des Bildes wird, ist ein weiteres wesentliches Element von Donata Wenders Photographien. Donata Wenders beobachtet und beschreibt zunehmend Bewegungen, Prozesse und sich in Veränderung befindliche Gesten in minimalistisch angelegten Photographien, die zu beinahe abstrakten Bildern werden. Ihre Bilder sind im wahrsten Sinn des Wortes Photo-Graphien, Licht-Zeichnungen.

Donata Wenders Photographien sind weltweit in Museen und Galerien gezeigt worden, unter anderem in Los Angeles, Tokyo, Berlin, Hamburg, München, Amsterdam, Rom, Florenz, Venedig, Paris, Innsbruck, Salzburg, St. Ulrich, in Norwegen und Südkorea.
2006 brachte Donata Wenders ihr Buch „Island of Silence“ heraus. 2016 erschien aus der gemeinsamen künstlerischen Arbeit heraus der Ausstellungskatalog „Vanishing Point. Donata Wenders – Robert Bosisio“ sowie 2018 „Leiko Ikemura im Dialog mit Donata und Wim Wenders“. Ursprünglich vom Film kommend begleitete Donata Wenders seit 1995 alle Filme ihres Ehemannes Wim Wenders als Set Photographin.

Weitere Informationen und Bilder unter: www.donatawenders.com

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Fauquet wurde 1950 in Lourdes geboren und lebt heute in Paris. In den vergangenen drei Jahrzehnten hat er sein künstlerisches Konzept perfektioniert. Er sammelt auf seinen Streifzügen diverse Materialien wie Karton und verarbeitet sie zu Skulpturen. Die Fotos dieser Objekte bemalt er mit dünnen Schichten von dunkler Ölfarbe. Kein Bild gleicht dem anderen, doch alle haben auf gewisse Weise organischen Charakter. Neben dieser Objektkunst bildet Fauquet auch Landschaften und Porträts ab – und auch diese Aufnahmen verwenden eine ganz eigene visuelle Sprache. So sind etwa die Augen der Personen mit wenigen Ausnahmen nicht zu sehen. Meist sind die Gesichter ohnehin weggedreht oder verdeckt. Fauquet verzichtet auf die oberflächliche Faszination von Blicken oder gar nackter Haut.

Und noch etwas trennt ihn von vielen Kollegen seiner Zunft: Während Maler und Fotografen seit jeher vom Licht fasziniert sind und dieses möglichst intensiv zur Geltung bringen wollen, scheint Fauquet der Faszination der Dunkelheit und Düsternis erlegen. Mit langen Belichtungszeiten bei schwacher Beleuchtung und mit einfachen Platten- und Rollfilmkameras erschafft der Franzose eine Welt, die wie aus der Zeit gefallen scheint.

Seine Bilder sind dabei so tiefgehend und eindrucksvoll, dass sie es in die Sammlungen großer französischer Museen geschafft haben. Zudem hat Jean Michel Fauquet bislang zwanzig Bücher und Kataloge veröffentlicht, er war an verschiedenen Filmprojekten beteiligt, und er hat seine Fotografien in den vergangenen fünfzehn Jahren in Frankreich, Norwegen, Deutschland, den USA, Japan, Taiwan und in den Niederlanden mit Solo-Ausstellungen präsentiert. Nun ist endlich Graz an der Reihe…

Weitere Informationen und Bilder unter: http://jmfauquet.weebly.com/galerie.html

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